Si usted ha estado en París o lo ha visto en fotos, reconocerá las puertas giratorias, con forma de planta, con sus letras distintivas, que sirven de entrada al sistema de metro de la ciudad, o metro, como se sabe allí. De los muchos términos para el Art Nouveau en Francia, Style Metro sigue siendo uno de los más persistentes, gracias al diseño duradero de Héctor Guimard para las entradas. Desvelado durante la Feria Mundial de París en 1900, el diseño se convertiría en un símbolo del movimiento Art Nouveau.

Pero había comenzado años antes. Desde la década de 1880 hasta la Primera Guerra Mundial, las obras de arte, los objetos de diseño y la arquitectura en Europa Occidental y los Estados Unidos brotaron con líneas sinuosas e indisciplinadas. Tomando las señales de las curvas rococó, los motivos gráficos celtas, los maestros japoneses Andō Hiroshige y Katsushika Hokusai y las Canciones de la Inocencia de William Blake (1789), los artistas de Art Nouveau tomaron las formas vegetales que vieron en la naturaleza y luego las aplastaron y las abstrajeron en elegantes motivos orgánicos .

Los Orígenes del Movimiento

El término Art Nouveau apareció por primera vez en la revista belga de arte L'Art Moderne en 1884 para describir la obra de Les Vingt, una sociedad de 20 artistas progresistas que incluía a James Ensor. Estos pintores respondieron a las principales teorías del arquitecto francés Eugène-Emmanuel Viollet-le-Duc y del crítico británico John Ruskin, que abogaban por la unidad de todas las artes. En diciembre de 1895, el comerciante de arte alemán Siegfried Bing abrió una galería en París llamada "Maison l'Art Nouveau". Bifurcada de la cerámica japonesa y las estampas de ukiyo-e para las que se había conocido, Bing promovió este "nuevo arte "En la galería, vendiendo una selección de muebles, tejidos, papeles pintados y objetos de arte.

Henri de Toulouse-Lautrec La troupe de Mlle Eglantine, 1896 Musée des Arts décoratifs, Paris

William Morris (1834-1896) The Strawberry Thief (Flower and Bird Pattern), 1884 The Victoria and Albert Museum, London

Al animar las formas y patrones orgánicos del Art Nouveau a fluir de un objeto a otro, los teóricos del movimiento abogaron por una mayor coordinación del arte y el diseño. Continuación de las ideas democráticas del movimiento artístico británico, este impulso fue tan político como estético. El padre filosófico del movimiento, el diseñador y empresario inglés William Morris, definió sus principales objetivos: "Dar a la gente placer en las cosas que deben utilizar por fuerza, que es una gran oficina de decoración; Morris despreciaba las condiciones de trabajo criadas por la revolución industrial y aborrecía el bric-a-brac de baja calidad creado por las fábricas y amasado en hogares de la era.

Insistió en que el diseño funcional se incorporara a los objetos de la vida cotidiana y su mezcla de estética y ética rechazara las pesadas cualidades ornamentales del siglo XIX, específicamente los excesos engorrosos y casi sofocantes del período victoriano. Sus ideas se manifiestan como muchos sabores nacionales distintos. En Escocia, había el Estilo rectilíneo de Glasgow; En Italia, Arte Nuova o Stile Liberty, después de la firma londinense Liberty & Co .; Estilo nouille ("fideos") o coup de fouet ("whiplash") en Bélgica; Jugendstil ("estilo joven") en Alemania y Austria; Tiffany Estilo en los Estados Unidos; Y en Francia, Style Metro, fin-de-siècle y Belle Époque. Para algunos, el Art Nouveau era el último estilo unificado; Para otros, no era un estilo, sino muchos. Como con todos los movimientos del arte hasta finales del siglo XX, fue dominado por los hombres.

Los Líderes del Art Nouveau

Tal vez la persona que mejor expresó el arco histórico empinado de Art Nouveau, como una llama que ardía brillante pero brevemente, fue el joven inglés Aubrey Vincent Beardsley, cuya sensibilidad perversa le convirtió en la figura más controvertida del Art Nouveau. Encontrar inspiración en la manera truculenta del americano expat James Abbott McNeill Whistler y en los carteles de Henri de Toulouse-Lautrec Japoniste, Beardsley comenzó su carrera artística formal a sólo 19 años de edad. El célebre pintor pre-rafaelita Sir Edward Burne-Jones venía a darle alabanzas sobre los dibujos de Beardsley sin entrenamiento cuando los vio en 1891.

Las ilustraciones de tinta de la India de Beardsley para la obra de teatro de Oscar Wilde Salomé establecieron muchos ideales esenciales de Art Nouveau. Sus imágenes sombrías, patrones decorativos planos, contraste agudo y líneas controladas pero swooping ganaron rápidamente el reconocimiento internacional del artista. Representando la historia bíblica de Herodes decapitando a San Juan Bautista a petición de Salomé, el dibujo de "J'ai baisé ta bouche, Iokanaan" gotea con imágenes eróticas: pliegues de tela, corrientes de sangre y mechones de pelo. En la parte inferior derecha, una flor florece de manera evocadora en la oscuridad, mientras que un pasaje negro en la parte superior izquierda parece reverberar con los oscuros pensamientos de un salomé que frunce el ceño. Gracias a su talento formal -sin mencionar su propensión a temas eróticos ya veces pornográficos- Beardsley se convirtió en piedra de toque para algunos de los artistas más reconocidos del Art Nouveau, a pesar de su muerte temprana por tuberculosis en 1898.

Izquierda: Aubrey Beardsley, The Climax, 1894. Derecha: Medicine por Gustav Klimt,

Mientras que Beardsley era un prodigio inexperto, Gustav Klimt atendió a la escuela de Viena de artes y de artes (Kunstgewerbeschule) y comenzó su carrera como el wunderkind del establecimiento. Las primeras obras de Klimt, como sus murales para el nuevo Burgtheater en la Ringstrasse de Viena, cumplieron las expectativas académicas y burguesas del arte con sus representaciones naturalistas de escenas históricas.

Pero no todo el trabajo de Klimt se ajusta a tales restricciones ortodoxas. La atmósfera de amor erótico y sexualidad que impregnó Viena alrededor de 1900 ejerció una poderosa influencia sobre el artista. Como el filósofo Friedrich Nietzsche, Klimt vio al artista como un mensajero de la verdad, no de la fantasía. En 1894, él emprendió una comisión para los murals en el pasillo de la asamblea de la universidad de Viena. En lugar de representar el campo de la Medicina de una manera lógica o desinfectada, como se esperaba que hiciera, Klimt retrató la confusión y la oscuridad, anudando cuerpos desnudos y yuxtaponiendo estómagos embarazados con esqueletos velados.

El escándalo que siguió acabó con la carrera académica de Klimt, lo que le llevó a fundar y servir como el primer presidente de la Sezession, el radical grupo de Art Nouveau en Viena que reunió a artistas, diseñadores y arquitectos. Ellos colaboraron en el principio de un Gesamtkunstwerk, o "obra de arte total", que buscaba ser espiritualmente edificante a través de una combinación de belleza y utilidad. El diseño de Josef Hoffmann para el comedor del Palais Stoclet de Bruselas, que incluía los murales arbóreos llenos de espiral de Klimt, ejemplificó este objetivo.

Sin embargo, fue su estilo icónico de retratos lo que le valió un lugar en el panteón histórico del arte. El beso (1907), tal vez su obra más famosa, muestra los elementos básicos pero revolucionarios de su lenguaje distintivo: un aplanamiento de la forma y el rico diseño florece dentro de parches de hoja de oro aplicado a la tela. Representando el amor como una alineación de superficies, El Beso bloquea las figuras centrales en formas concéntricas, entrelazando los cuerpos de los amantes como joyas en un anillo de oro. Se abrazan, una capa brillante que los rodea como una membrana, y una pared de flores se cae. Este erotismo ansioso por el que Klimt se conoce infundió la obra de artistas posteriores, incluyendo a su protegido Egon Schiele.

Las artes decorativas formaron otra piedra angular del legado del Art Nouveau. Mientras que Francia fue el hogar de muchas figuras notables - Georges de Feure, Édouard Colonna, y Eugène Gaillard, entre otros - en el otro lado del Atlántico, Louis Comfort Tiffany se convirtió en el nombre más asociado con el movimiento Art Nouveau en los Estados Unidos.

Heredero del imperio de plata de Tiffany & Co., una compañía fundada por su padre, Charles Lewis Tiffany, en 1837, Tiffany comenzó su carrera como pintor. Después de estudiar bajo George Inness, comenzó a trabajar con arte decorativo en la década de 1870. Apoyado por clientes entusiastas en Nueva York, produjo interiores elaborados y complementarios de metalistería, esmaltes, iluminación y joyas.

Pero Tiffany (así como su principal competidor, John LaFarge) era mejor conocido por una fabricación innovadora de vidrio con plomo que se convirtió en un fenómeno claramente americano. En 1881, sus experimentos en química habían llevado al desarrollo de vidrio con un acabado opalescente que produjo una calidad de luz soñadora y lechosa. Las características de supervivencia de la finca elaborada de Tiffany en Long Island, Laurelton Hall, revelan su trabajo en plena floración, con ventanas, baldosas de cerámica y características arquitectónicas que se unen en una alcoba parecida a un jardín. Manchando su vaso en una variedad de colores y añadiendo detalles finamente pintados a ella antes de disparar, Tiffany creó una mirada revolucionaria que tuvo un éxito enorme y permitió a la compañía expandirse en el imperio de arte decorativo y joyas que continúa hoy en día.

Tiffany Studios Snowball Table Lamp, ca. 1904 Lillian Nassau LLC

Alphonse Mucha BISCUITS CHAMPAGNE LÈFEVRE-UTILE, 1896 Christopher-Clark Fine Art

¿Por qué es importante el Art Nouveau?

El éxito de Tiffany y otros artistas decorativos atestigua la meta de Art Nouveau de romper jerarquías entre las artes. El surgimiento de la imprenta y las artes gráficas también avanzó esta causa y, a diferencia de las creaciones más raras de Tiffany, podrían ser reproducidas para enriquecer la vida de un público más amplio. Las representaciones de la femme nouvelle de la artista checa Alphonse Mucha son ilustrativas del emergente medio publicitario gráfico, al igual que las de Jules Cheret, cuyos diseños Belle Époque le llevaron a ser considerado el padre del cartel moderno. Incluso pintores talentosos como Henri de Toulouse-Lautrec y Jan Toorop se hicieron tan renombrados por su arte gráfico como por sus lienzos.

Siguiendo la visión de Eugène-Emmanuel Viollet-le-Duc, los arquitectos usaron acero y otros materiales modernos para crear nuevos vocabularios con formas arqueadas y en voladizo. La impresionante casa de Tassel de Henry van de Velde y Víctor Horta, este último un talentoso discípulo belga de Morris y Viollet-le-Duc, sigue siendo un punto culminante de este diseño arquitectónico fluido. Otros ejemplos sobresalientes vinieron de Charles Rennie Mackintosh y Margaret Macdonald en Escocia; Otto Wagner en Austria; Louis Sullivan en los Estados Unidos; Y el inimitable Antoni Gaudí, conocido por la Casa Milà y la Sagrada Familia, en la Cataluña española.

Izquierda: Antoni Gaudí, Casa Mila. Derecha: Hector Guimard, Style Metro.

El Art Nouveau superó una brecha esencial entre el esteticismo del siglo XIX y el diseño del siglo XX. Wassily Kandinsky y Ernst Ludwig Kirchner, por ejemplo, dos icónicos pintores modernos, trabajaron en Jugendstil antes de moverse hacia sus propios estilos personales. Pero, tan rápidamente como había florecido a través del paisaje estético occidental, el Art Nouveau comenzó a marchitarse a principios del siglo XX. En última instancia, la reputación del movimiento para la decadencia condujo una cuña involuntaria entre los patrones ricos y los trabajadores expertos. El carácter floreciente y floral que había sido alabado se convirtió en su responsabilidad, llevando al ilustrador inglés Walter Crane a condenarlo como una "extraña enfermedad decorativa" ya en 1903. En 1920, el estilo coup de fouet, o latigazo, Renombrado estilo branche de persil, o ramita de perejil.

-George Philip LeBourdais

Imagen de portada: Gustave Klimt, Retrato de Adele Bloch-Bauer, 1907. Imagen a través de Wikimedia Commons.
Retratos a través de Wikimedia Commons.
Cronología: Foto de Style Metro de Ganimedes Costagravas, vía Flickr; Beardsley y Steinlen a través de Wikimedia Commons.

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